The Art:Ist

Bekannt geworden mit der Performance-Serie Crawls" seit den 1970er Jahren, thematisiert der Dramaturg, Dichter und Künstler William Pope. L in satirisch überspitzten Performances, Installationen, Schriften und Zeichnungen strukturelle Diskriminierung marginalisierter gesellschaftlicher Gruppen aufgrund von Hautfarbe, Geschlecht und Klasse. Seine Arbeiten erzeugen Unbehagen und Scham. Für den Berliner Schinkel Pavillon hat Pope. L seine Installations-Performance "Contraption" konzipiert - ein Begriff, der für eine Maschine oder ein Gerät steht, das unnötig kompliziert erscheint und oft schlecht gebaut oder unsicher ist. Diese, vorgeblich nach einer simplen Bauzeichnung von Pope. L gestaltete, raumgreifende Maschine schreddert Architektur-Holzmodelle, welche dem Schinkel Pavillon, dem Humboldtforum und der Neuen Wache nachempfunden sind, während die Besucher*innen aus dem Fenster parallel die Originalbauten sehen können, die für die imperiale, koloniale Machtästhetik Preußens und des deutschen Kaiserreiches stehen. Gebaut in einer Zeit, in der, parallel zu kolonialer Unterdrückung und eines konstruierten Herrschaftsanspruchs, die Gedanken des Humanismus entwickelt wurden. Gleichzeitig interagieren Schauspieler*innen nach einem vorgegebenen Handlungsablauf, angelehnt an die Kurzgeschichte "Forlesen" des SciFi-Autors Gene Wolfe, mit der Maschine und lesen Pope. Ls Gedicht „Between a Figure and a Letter“ vor: Von „Zuwanderungsideen, herausgekrochen aus dem Arsch der Zeitgenossen“ und vom „dozentiellen“ (Kofferwort aus Dozent und essentiell) Gehabe und der „kalkulierten Ignoranz“ der „Schinkelianer“.

Joan Jonas: Ich habe in den 1950er Jahren Kunst studiert und zuerst als Bildhauerin gearbeitet. Als ich Anfang der 1960er Jahre nach New York kam, suchte ich nach neuen Ausdrucksformen, einer eigenen Sprache. Wir lebten in SoHo, wo in dieser Zeit sehr viele kreative Persönlichkeiten zusammenkamen. Künstler*innen, Tänzer*innen, Komponist*innen, Filmschaffende. Wir waren befreundet und haben miteinander gearbeitet. Auch Richard Serra hat damals Performances gemacht, mit der Musik von Philip Glass. Steve Reich war dabei und die Minimalisten. Es gab da noch keinen Namen für das, was wir taten, wir probierten uns aus.

taz: William Pope.L, in Ihren Arbeiten verhandeln Sie die Themen Rasse, Geschlecht, Klasse und deren Intersektionalität, die Sie satirisch überspitzen. So zeigte Ihre Installation „A Vessel in a Vessel in a Vessel and So On“ von 2007 einen kopfüber auf einem Podest befestigten Frauenkörper im Piratenkostüm mit entblößten Brüsten und einem Serviertablett. Dazu, anstelle des Kopfes, eine Büste von Martin Luther King Jr. Wie haben Sie die Reaktionen darauf erlebt?

William Pope.L: Tatsächlich nie direkt, obwohl ich natürlich damals die Kritiken dazu gelesen habe. Ein wesentlicher Bestandteil des Feminismus der 70er Jahre war ja diese monolithische Vorstellung davon, was Frauen sind. Da kam die besondere Situation Schwarzer Frauen nicht vor und das setzt sich wahrscheinlich bis zu einem gewissen Grad auch heute noch fort, wenn man, sagen wir mal, über Transsexualität nachdenkt. Dazu kommt der Klassenaspekt, über den in den USA nicht gern gesprochen wird.
Also wollte ich ...

Wie würden die finsteren Bilder Neo Rauch s wohl klingen, wie die apokalyptischen, in grellen Wahnsinn stürzenden Farbstürme des ehemaligen Punkmusikers und Hamburger Hausbesetzers Daniel Richter ? Vielleicht wäre ihre musikalische Entsprechung gerade nicht die wagnerische Dunkelheit oder das zersplitternde Dröhnen eines Destruction Riffs des Metal-Helden Chuck Schuldiner . Vielleicht erinnert der Klang der Bilder an die schmerzhafte Schönheit des Picasso -Solos von Coleman Hawkins, an das weinende Altsaxofon von Ornette Coleman oder Peter Brötzmann in Lonely Woman , oder an die samtig-raue Stimme von Billie Holidays , wenn sie in Strange Fruit über die Opfer der Lynchjustiz singt.

Ein kleiner MP3-Spieler birgt die langsame und tiefe Stimme von Annie Leibovitz. Sie erklärt ihre Ansichten Amerikas, Portraits von Musikern und Aufnahmen von Landschaften, Häusern und Innenräumen. American Music heißt das Projekt; es entstand auf einer zweijährigen Reise durch den Süden der Vereinigten Staaten. Im Mississippi-Delta sah sie die Quelle der amerikanischen Musik. Einige der Fotos sind jetzt noch bis Anfang April in Berlin zu sehen. Dann geht die Ausstellung, die in den vergangenen drei Jahren um die Welt reiste, wieder zurück in das Archiv der 57-jährigen Fotografin. Wann die Fotos dann wieder öffentlich zugänglich sein werden, ist ungewiss.

Maxi Broecking (* 1969 in Berlin) ist als Journalistin für Die Zeit, Der Tagesspiegel, Taz, Kunstzeitung, Fono Forum, Jazz Thing, RBB und Byte FM sowie THE:ARTIST zu den Themen Jazz, Improvisierte Musik und Zeitgenössische Kunst tätig. Ihre Jazzkolumne für Die Zeit war für den Grimme Online Award nominiert. Für die Columbia University, New York, war sie Referentin für das Symposium "Jazz in the Global Imagination: Music, Journalism and Culture" sowie Referentin für die internationalen Konferenzen „Lost in Diversity – A Transatlantic Dialogue“ und „Vision, Perception, Friction: How Jazz became Art and Attacked“ am Heidelberg Center for American Studies, Heidelberg. 2013 stellte Broecking der Berlin Improvisation Research Group BIRG ihre Forschung über Jazz, Improvisierte Musik und Kunst vor. Maxi Broecking ist Mit-Gründerin und Inhaberin des Broecking Verlags | Creative People Books. 2021 moderierte sie das Intersektionalitätspodium „Macht und Identität“ im Nationaltheater Mannheim. Seit 2021 ist sie Kuratorin der Reihe Jazz + Kunst des Enjoy Jazz Festivals und dem Zusammenschluss der Unesco Cities of Music sowie Gründerin der Plattform THE:ARTIST, einem digitalen Raum für Artikel und Interviews mit Künster*innen, Forscher*innen und Kurator*innen zur Zukunft der Kunst und Kunstwahrnehmung in Bezug auf Intersektionalität, Diversität und Dekolonisierung. Maxi Broecking lebt mit ihrer Familie in Berlin.